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L’Ensemble TaCTuS et la dessinatrice Marion Cluzel s’associent dans ce nouveau spectacle pour donner vie en direct en musique et en images au premier chef d’œuvre de Jack London, L’appel de la Forêt (1903). Mise en relief par les compositions originales de Quentin Dubois, cette quête libératrice est racontée à travers la vision du chien Buck, incarné par la voix du comédien Jacques Verzier. Résumé : Buck est un brave chien domestique à la vie paisible. Enlevé à son maître le juge Miller, il est ensuite confronté malgré lui aux rudes conditions de vie du Grand Nord canadien, pour devenir chien de traineau. D’expéditions en expéditions, il apprend à vivre en meute, à obéir aux ordres, à dormir dans la neige, à voler de la nourriture et à se soumettre à la loi du bâton. Sa rencontre avec son nouveau maître adoré, John Thornton, est déterminante. Lorsque celui-ci est tué par des indiens, Buck cède finalement à l’appel sauvage, insistant et inéluctable, pour rejoindre ses frères loups. Spectacle Musical dessiné Lauréat Scène SACEM Jeune Public 2018 D’après l’œuvre de Jack London Création Octobre 2016 à partir de 6 ans durée : 55 minutes
« Une semaine à Bourges pour faire la place belle aux cheffes d’orchestre ! Avec deux jours de master-classes publiques et deux concerts, vous pourrez découvrir les Académiciennes du Concours international de cheffes d’orchestre La Maestra, créé en 2020 avec la Philharmonie de Paris. Mendelssohn, Brahms mais aussi la compositrice Graciane Finzi seront au programme. » Claire Gibault
Cosmigimmicks est l’œuvre d’Unsuk Chin qui a inspiré ce programme. Inspiré par la pantomime, pièce au timbre métallique et très fragile, on est transporté dans le théâtre imaginaire des Cosmigimmicks où les instruments pincés (guitare, mandoline et harpe) jouent les rôles principaux, tandis que les autres instruments (piano préparé, violon, trompette et percussions) se déguisent eux-mêmes pour se rejoindre à un jeu de masques et de mimétisme. A tel point que souvent, tous les instruments se fondent en un seul « super-instrument ». Ce caractère tonal inhabituel de l’instrumentation suscite également des idées structurelles, harmoniques et rythmiques, toutes liées à la notion de pantomime musicale.
Pour débuter l’année de célébration des vingt ans de l’orchestre, Les Siècles et François-Xavier Roth nous convient à une promenade dans le romantisme tardif français. Pages adulées, huées, oubliées, ancrées à Paris ou lorgnant outre-Rhin, ballets, drames lyriques... Un programme emblématique des inspirations des Siècles, interprété sur les instruments français de la fin du XIXe siècle. François-Xavier Roth, ardent défenseur du répertoire français, interprète quelques-unes des pièces les plus célèbres de Debussy, Roussel, Dukas et Ravel mais aussi deux raretés issues de compositeurs de la génération antérieure. Le ballet Namouna de Lalo date de 1882 et fait preuve d’une belle maîtrise d’écriture grâce notamment à une orchestration particulièrement luxuriante. Septième et dernier opus de la série des Suites symphoniques composées par Massenet, ses Scènes alsaciennes datent de cette même année 1882. Massenet traduit magnifiquement en musique toute la nostalgie qu’il éprouve pour l’Alsace désormais perdue, à la suite de la guerre franco-prussienne de 1870-71. © Texte Théâtre des Champs-Élysées Crédit photo : Edouard Lalo photographié par Pierre Petit
Avec le chœur accentus, Insula orchestra nous convie à un grand moment de musique française et de spiritualité. Dans son émouvant Requiem, Gabriel Fauré exprime une vision sereine de la mort, interrogée sur scène par l’œuvre vidéo de Mat Collishaw. Si l’harmonie règne dans ce chef-d’œuvre de la musique, c’est la dystopie que domine dans la vidéo. Cette dernière, intitulée Sky burial en référence au rite funéraire tibétain qui confie les corps des défunts aux vautours, dénonce notre rapport à la nature. Le concert est complété par Saint François d’Assise de Charles Gounod, dont le manuscrit a été retrouvé dans les années 1990 : une partition limpide et épurée qui touche au cœur. [!] La vidéo projetée lors de ce spectacle contient des images pouvant heurter un public sensible.
Quoi de plus subtil que de laisser la musique transmettre, sans mots, les idées du texte divin? Le programme de ce concert nous invite à expérimenter ce questionnement, les Messes brèves KV 192 et KV 194 de Mozart, adoptant chacune une position différente. Le Te Deum n°1 en do majeur de Haydn et surtout l’Ave verum KV 618 de Mozart cherchent la synthèse. Ils répondent en cela à l’idéal d’équilibre considéré comme indispensable à la beauté par la société du XVIIIe siècle. Dépouillées de la dispersion qu’engendre l’illustration d’un texte mais aussi d’un trop grand développement instrumental, ces deux pièces offrent un caractère épuré. L’expression ramenée à l’essentielle touche alors au plus intime. « La brièveté de ces messes salzbourgeoises, due probablement à un officiant préférant la rapidité des offices à la pompe lourde et sans fin des grandes messes, nous permet d'en jouer deux dans la même soirée. Y adjoindre prélude, graduel, offertoire et motet de communion sera un jeu d'enfant et une gourmandise de chercheur en piochant dans les ouvrages des frères Haydn, Michael et Joseph. Aucun de nos auteurs ne tire la couverture à lui, tous trois étant concentrés à servir de leur mieux et avec tout leur art le service divin ! Quelques minutes de bonheur grâce à un évêque pressé, c'est le paradis, non ? » Hervé Niquet
Concert participatif pour orgue et choeur / Création Noriko Baba Concert spatialisé orgue et choeur dans la Grande salle Pierre Boulez de la Philharmonie Avec 16 chanteurs professionnels de Sequenza 9.3 Thomas Lacôte, orgue 180 choristes amateurs Direction : Catherine Simonpietri
Paul Agnew s’empare d’un répertoire situé en marge des productions des Arts Florissants avec ce célèbre opéra de Gluck encore trop peu joué. La version française choisie n’a rien d’anodin : plus tardive que les premières versions italiennes pour castrats, elle adapte le rôle d’Orphée à une haute-contre (un ténor aigu) ; elle affirme aussi, par cette version définitive, un profond désir de transformer l’opéra français et le théâtre lyrique en général. Succès extraordinaire à sa création, l’opéra fut donné 47 fois consécutives en trois mois, offrant « le plaisir d’entendre la musique la plus sublime que l’on eût, peut-être, jamais exécutée en France » (Grimm). Au cœur des grandes querelles esthétiques, Gluck réussit ici à resserrer autour de trois rôles solistes une intrigue simple et dépouillée sur 3 actes, exprimant ainsi toute la force poétique de sa musique. Mais il donne surtout au mythe son aspect le plus tragique, le plus simple aussi, dans un rapport plus pur au théâtre antique. Ériger la musique en poésie et ne pas la mettre au service de la littérature, c’était là le grand projet de Gluck, et c’est en cela qu’à l’aube du Romantisme, sa position a fait basculer l’opéra dans un autre monde… En témoigne l’admiration que Berlioz avait pour le compositeur et pour cet opéra en particulier dont il louait ses « harmonies vaporeuses, ces mélodies mélancoliques comme le bonheur, cette instrumentation douce et faible donnant si bien l’idée de la paix infinie »… Nul doute que Paul Agnew, dont c’est la première direction dans la Grande Salle Pierre Boulez, saura nous confronter au sublime de ces pages universellement connues, tout comme il l’avait fait il y a quelques années avec un tout autre « Orphée », celui de Monteverdi, premier opéra de l’histoire de la musique. La boucle est bouclée !
Un voyage musical à travers deux siècles de musique, en trio à cordes (violon, alto et violoncelle) pour parcourir les mondes sonores de Ludwig van Beethoven, Arnold Schönberg, Giacinto Scelsi, Jonathan Harvey, Aurel Stroë et Sofia Gubaidulina. La mise en regard d’œuvres de compositeurs d’époques et d’origines différentes offre un éclairage nouveau sur des écritures aux gestes si forts et si personnels, en révélant leurs points de rencontres autant que leurs particularités et leurs différences. Un concert en forme de plongée dans un monde sonore sans frontière, à la découverte de l’inouï.
À partir de l’œuvre de René Maran (prix Goncourt 1921) Combiner musique, oralité, danse et image animée Le projet consiste à mettre en scène et en musique le caractère poétique du roman Batouala de René Maran grâce à une diversité de moyens artistiques : recours à une création musicale et chorégraphique, utilisation d’images animées en s’appuyant sur la force expressive du texte original. Il sera un hommage rendu par les arts de la scène à la beauté littéraire de Batouala dont le récit suscite la projection, l’identification dans l’esprit du lecteur. Cette qualité littéraire est tellement forte qu’on ne peut pas la travestir ; on doit garder le texte originel. L’œuvre de René Maran est faite pour être dite et non pour être interprétée. Le projet ne consistera donc pas à faire une adaptation théâtrale classique. Grâce à la musique et en dialogue avec le texte, il s’agira d’être au cœur de la culture centrafricaine, dans sa sensibilité et dans son humanité. Le spectacle devra faire passer au public le souffle du récit. Les spectateurs seront amenés à revivre le parcours de découverte d’un René Maran étranger au monde qu’il observe mais empathique, confronté à une civilisation bien plus noble à ses yeux que celle enseignée dans les grandes écoles de l’empire. La combinaison entre musique, oralité, danse et images a pour objectif de garder le mouvement du roman, sa fluidité orale, en phase avec l’oralité de la culture que l’administrateur colonial célèbre. Le spectacle a vocation à être présenté dans le cadre des programmations de grandes institutions théâtrales ou musicales et aussi, sous une forme plus légère, à toucher le public scolaire, que ce soit en France, en Belgique ou au Grand-Duché du Luxembourg, mais également dans les pays de l’Afrique noire francophone, notamment dans les établissements où l’œuvre de René Maran est enseignée.
C’est l’histoire d’un corbeau qui se laisse bercer par les paroles du renard. Ces deux animaux, emblématiques de l’univers de La Fontaine, vont nous surprendre pendant quatre saisons. Nous allons les voir emprunter les chemins rocambolesques ! L’un pour garder ce qu’il a volé. L’autre pour essayer de le récupérer. Ils vont se perdre dans une forêt, s’envoler vers la lune, plonger dans un lac. Ils vont surtout déambuler à travers les fables. Nous allons approcher une belette, un grillon, un astrologue, un cerf... Ils nous invitent avec la frivole cigale à une danse joyeuse pour fêter le grand La Fontaine !
Le pitch 2050 : le spectacle vivant a disparu. Les concerts ne sont plus accessibles que sous forme numérique et votre équipement de home-immersion vous paraît aussi frustrant que limité. Aussi, lorsqu’on vous propose de participer à une série de mini-concerts pop-up dans des lieux improbables, vous vous dites qu’il y a peut-être là un moyen de sortir de l’ennui abyssal qui a envahi votre quotidien. À ce moment là, un pianiste et deux chanteuses, bavards et légèrement obsessionnels, vous plongent dans une playlist opératique tour-à-tour enflammée, sentimentale, engagée aussi... Vous redécouvrez alors le plaisir de frissonner dans un bain musical en parcourant une histoire de l’opéra depuis Monteverdi jusqu’à Aboulker en passant par Bizet, Mozart, Offenbach, Puccini, Haendel et bien d’autres encore ! En tournée sur 2023-24 et 2024-25 — Dates tout public 2023 Craponne, Rhône, 8 février Jaujac, Ardèche, 24 février Limonest, Rhône, 17 mars — Représentations scolaires 2023 Villeurbanne, 21 février Montpellier, 13 mars — Création scénique 2022 Lyon, novembre — Version plein air 2022 Lyon, Tout le monde dehors, août Vaison la Romaine, Vaucluse, Choralies, août — Représentations scolaires 2022 Annonay, Ardèche, avril 22 — Sorties de résidence Chaponost, Rhône, décembre 21 et avril 22
Ludwig van Beethoven était un innovateur, un compositeur qui a réinventé les pratiques de l’époque, surprenant ses contemporains. À entendre sa musique interprétée sur des instruments d’époque, même ses airs les plus connus apparaissent sous un nouveau jour. C’est Beethoven comme ses contemporains l’auraient entendu, surprenant et palpitant. C’est ce que Laurence Equilbey, Insula orchestra et accentus espèrent réaliser dans ce concert fascinant : faire étinceler la brillante Quatrième Symphonie et l’Ouverture de Coriolan. Le pianiste Yuan Sheng se joint à eux sur scène, un interprète spécialiste du piano du XIXe siècle d’un musée de Shenzhen, pour jouer la Fantasie Chorale.
Orphée, père des chants, demi-dieu plus puissant que les dieux grâce à un pouvoir unique : quand il chante accompagné par sa lyre, les bêtes les plus féroces deviennent aimables, les pierres et les arbres s’émeuvent de sa voix céleste, les fleuves puissants s’arrêtent pour l'écouter. Suivons le son de sa voix en compagnie de Claudio Monteverdi, Luigi Rossi, Jacopo Peri ou Sigismondo d'India auquel répondront les pièces instrumentales de Pietro Lappi, Adriano Banchieri et Giovanni Battista Bovicelli.
Le Quatuor Debussy, en résidence artistique à l’INSPE Lyon (Institut National Supérieur du Professorat et de l’Éducation) au cœur du quartier de la Croix-Rousse, marque sa volonté d’inscrire son action localement. Depuis plusieurs années, il organise des ateliers à destination des habitants afin de faire découvrir l’art du quatuor à cordes au plus grand nombre. Cette saison, trois rendez-vous gratuits permettront à tous les curieux de venir rencontrer « le plus lyonnais des quatuors internationaux », par le biais de concerts-rencontres uniques. Des parenthèses musicales qui se veulent accessibles, afin de comprendre un répertoire vaste, au plus près des musiciens. Durant cette saison 2022-2023, chaque atelier sera l’occasion de traverser trois thématiques : La découverte de la musique “classique” selon Joseph Haydn La transcription pour quatuor des “Saisons” de Piotr Ilitch Tchaïkovski La découverte d’œuvres de plusieurs compositrices contemporaines L’occasion d’une plongée dans l’univers des cordes frottées, adaptée aussi bien pour les plus jeunes qui pourront découvrir les instruments de musique, que pour les plus âgés qui souhaitent explorer de nouveaux répertoires ou, tout simplement, partager un moment musical qui sort de l’ordinaire.
Pourquoi ce titre en esperanto ? Parce que nous rêvons d’un nouveau monde dans lequel musique classique rimerait avec ouverture, diversité, bienveillance et universalité… A la suite du 2e Concours International de Cheffes d’Orchestre La Maestra, le Paris Mozart Orchestra a conçu une série de 3 programmes co-dirigés et co-présentés par Claire Gibault et les cheffes lauréates du Concours, qui alterneront à la tête des musiciens du PMO et de solistes profondément engagées.
« Bon Dieu. La voilà terminée cette pauvre petite messe. Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire ou de la sacrée musique ? » écrit Gioacchino Rossini, une fois sa Messe solennelle composée en 1864. Si cette musique sublime respecte tous les codes de l’œuvre religieuse, elle porte une forme d’ironie, un sens de la dérision, un subtil équilibre entre le sérieux et le sourire. Suivant l’invitation de Rossini, Jos Houben et Emily Wilson, metteurs en scène maîtres du burlesque, s’aventurent avec les artistes du Chœur de chambre Mélisme(s) dans ce grand territoire du sacré avec un clin d’œil à Tati et Charlot, restant ainsi légers et surprenants. « Le gag est un poème. Il fait rire par son effet de surprise, la virtuosité de son exécution et l’humanité qu’il révèle. Il nous libère de la prédictibilité du quotidien, célèbre le jeu du comédien complice avec son public et rend visible l’universalité de notre condition physique » dit Jos Houben. On peut compter sur lui et sur le chef Gildas Pungier pour créer un spectacle sacrément humain !
Bach voit double, pour le meilleur ! L’iconoclaste pianiste Jean-François Zygel, fougueux improvisateur – et c’est rare dans la famille des musiciens classiques – est invité par le très jeune gambiste Valentin Tournet qui dirige, à vingt-six ans, La Chapelle Harmonique, ensemble spécialisé dans le répertoire baroque sur instruments d’époque. De cette rencontre inattendue entre le 21e et le 18e siècle, entre un instrument moderne et un instrument ancien, entre partition et improvisation, naît un arpentage très libre de Jean-Sébastien Bach, autour d’extraits de L’Art de la fugue et de L’Offrande musicale. Auprès de ce duo exceptionnel, les huit musiciens de La Chapelle Harmonique enrichissent les sonorités baroques avec force violes et instruments à vents. Jusqu’à une incroyable improvisation finale collective. Un concert qui renoue avec la grande tradition des concerts du 18e siècle, où répertoire et improvisations se répondaient avec bonheur ! En partenariat avec les concerts du cloître
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